Michelangelo Antonioni

est mort.

L'Avventura en 1960, La Nuit en 1961 et L'Eclipse en 1962, interprétée par Monica Vitti,

L'Avventura est considéré comme la naissance d'un cinéma introspectif. Antonioni a choisi de raconter la difficulté des rapports humains et la fragilité des sentiments.

Il atteint la consécration avec Blow Up, l'histoire d'un photographe de mode qui découvre sur ses clichés qu'il a été témoin d'un assassinat à Londres.

je ne l'ai pas vu

tout sur blow up

Citation :

Librement adapté des « Fils de la vierge » de Julio Cortázar, « Blow up » est l’histoire d’un photographe pris au piège des illusions qu’il nourrit sur la réalité. Une série de clichés qu’il développe lui montre qu’il existe une profonde différence entre ce qu’il croit voir et ce qu’il y a à voir.

Ce film à la lenteur introspective constitue une formidable interrogation sur le regard et la réalité, sur la reconstruction évidemment illusoire de celle-ci et, au-delà, sur la valeur du champ et du hors-champ au cinéma.

Blow up signifie « agrandissement », mais aussi « révélation » et... « explosion ».

J'ai vu Blow Up : on y trouve Jane Birkin toute jeune, très charmante ; "l'action" se passe en Angleterre.

un parallèle entre deux grands du cinema

Citation :

Alors que Bergman interroge le «silence de Dieu» avec une âpreté nouvelle, Antonioni, lui, dresse un terrible constat d'incommunicabilité entre les êtres, mais avec un regard dont se dégage une étrange poésie.

Des deux côtés frappent le dépouillement et l'art d'aller à l'essentiel

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le temps

Derniers films d'Antonioni :
«Zabriskie Point» , «Chung Kuo»,documentaire sur la Chine de Mao, et «Profession reporter».
Identification d'une femme a reçu le prix spécial du jury (Cannes)

Si j'en juge par moi-même, Antonioni est loin d'avoir eu le retentissement de Bergman.

J'ai vu seulement le désert rouge sans beaucoup vibrer.

troglodyte a écrit:

J'ai vu Blow Up : on y trouve Jane Birkin toute jeune, très charmante ; "l'action" se passe en Angleterre.

je n'ai pas reconnu birkin qui figurait pourtant au générique, mais ce n'était pas mon but.

Blow up d’Antonioni

Je ne sais pas trop quoi en penser.

Certains y voient l’itinéraire de formation d’un photographe cherchant sa voie. C’est bien possible. Il m’ a plutôt donné l’impression d’un agité qui court plusieurs lièvres à la fois. Il est bon que dans le film on précise qu’il sortait d’un asile de nuit, car j’aurais parié pour une sortie d’usine.

Toujours est-il que le film traite de l’image sous tous ses aspects : images de mode, stéréotypées, qui font rêver des midinettes, et qui abusent le public.

Or l’image doit être traitée avec prudence : il faut la décrypter, ce que montre l’analyse minutieuse de l’ idylle dans le parc, qui se révèle bien différente de ce qu’on croyait. L’image donne aussi l’illusion du réel, d’où la scène finale des mimes, sur le court de tennis.

L’image fait le bonheur de notre société : du moins elle veut montrer un monde de luxe, lisse, où les sourires sont de commande.

Les représentations d’une fête permanente côtoient les défilés contestataires. On a besoin de l’image, quelle que soit la cause que l’on défend.

blow up

Pour le film lui-même, on le sent bien construit, malgré les détours d’une histoire liée à l’agitation du photographe, avec des cadrages précis, mais il m’a paru froid, avec des personnages sacrifiés aux « idées » du film.

Les femmes en particulier, semblables à des mannequins sans âme, et jouant faux.

Quant à la fête musicale, peu d’ambiance dans le public, sauf sur l’intervention des musiciens, dans une sorte de bref happening. Ca m'a semblé très vieux.

Le cine club de Caen présente des photos et une analyse détaillée, ce qui est utile, mais il ne nous épargne aucun détail de l’histoire.

La NOTTE passait hier soir sur Arte, et je voyais ce film
pour la première fois.

Les personnages évoluent dans un milieu frivole, et traînent un ennui existentiel, un air desenchanté dû au vide de leurs relations respectives, de leurs années passées, de leurs impossibilités à "se refaire"

Le film est encadré par deux références à la mort, ce qui hisse le film à l'échelon métaphysique : vanité de l'existence non remplie par des créations, solitude et désespoir de la condition humaine.

La mise en scène m' a paru contrainte, avec la position des personnages (Jeanne Moreau et Mastroianni, notamment à la fin du film).

Mais la beauté plastique des prises de vue est séduisante : des paysages vides, une agitation vaine des humains, des mouvements de foule (pendant la fête) qui traduisent des pulsions grégaires : traduction d'un desespoir auquel Mastroianni fait allusion quand un écrivain est cité par un personnage.

le point de vue du figaro :

Citation :

Proche des peintures abstraites, le décor urbain reflète la tragédie qui se joue dans le cœur des protagonistes. L'image d'une façade nue, d'une tour qui se dresse sur un fond de ciel immaculé ou d'une ruelle vide dessine une esthétique épurée.

Il y a du désespoir de L'Étranger de Camus un livre qui bouleversa le réalisateur dans sa jeunesse dans ce long-métrage qui obtint l'ours d'or au Festival de Berlin en 1961. Jeanne Moreau et Marcello Mastroianni apportent l'épaisseur nécessaire à leurs personnages solitaires. Et Monica Vitti a déjà l'étoffe d'une star.

Antonioni n'était pas espagnol, mais italien.
Il portait le même prénom que l'immense artiste à l'origine de tant de merveilles comme le plafond de la chapelle Sixtine : Michelangelo.

D'Antonioni, je n'ai vu que deux films. Son court métrage pour Eros est une catastrophe totale, le pauvre homme n'avait vraiment plus rien à dire, et en plus le dit quand même et mal. C'était son dernier film. Oublions.
Profession reporter, avec Jack Nicholson, a de très bons passages, mais est d'un ennui pas possible à mes yeux.
Du coup je ne suis pas très attiré par le reste de sa filmo.

J'ai rectifié ! MICHELANGELO ! d'accord.

les reproches frequents à Antonioni tournent autour de l'ennui éprouvé par le spectateur, au lieu de s'interesser à l'ennui de la société que le réalisateur filme.

Certes, il pourrait caricaturer, grossir le trait, accabler des oisifs et, au passage, les rendre responsables de tous les maux. Cet Italien n'est pas Luis Buñuel !

Comme je le disais, je connais mal Antonioni, et je voyais la Notte pour la première fois : le film m'a plu, et j'y ai vu une analyse du divertissement pascalien, plus émouvante que chez Woody Allen.

Ce thème, je l'ai vu traité avec des variantes chez l'artiste (Mastroianni dont l'inspiration est tarie), chez l'épouse (Jeanne Moreau qui a tout misé en vain sur l'amour et le couple), chez l'homme d'affaires (qui sacrifie tout à l'argent mais désirerait autre chose qu'il essaie d'acheter), chez toute cette société nocturne, (la célébrité ne guérit pas : on le voit chez l'artiste et la jet set), ou les ouvriers qui s'amusent avec des fusées ou s'inventent des querelles, pour meubler leur vie.

Le regard désenchanté, non dupe, c'est celui du malade que le couple Moreau/Mastroianni va voir à l'hôpital, et dont l'avenir est borné (on le saura vers la fin du film).

Alors, aucune solution ?

Antonioni traite ce thème esthétiquement, et mettre son art au service d'un thème métaphysique et existentiel (vécu par Monica Vitti - qui apparemment a tout pour être heureuse) pourrait être la solution trouvée par Antonioni.

C'est ce que j'ai compris pour la première fois avec La Notte, titre ambivalent pour le vide de l'existence et cette parodie de vie nocturne agitée.

S'il y a bien un film à voir d'Antonioni c'est L'Avventura.

L'histoire en deux mots. Anna et son compagnon, Sandro, partent faire une croisière avec des amis. Ils accostent sur une île, ou plutôt un gigantesque rocher aride, où Anna disparaît mystérieusement. Alors que tout le monde cherche Anna, Sandro est attiré par Claudia, la meilleure amie de la disparue, et bientôt la recherche d'Anna n'est plus qu'un prétexte.

Ce film explore avec subtilité la complexité des sentiments amoureux. «Je fais un film sur l'instabilité des sentiments, sur le mystère des sentiments » déclare Antonioni. Sandro est brusquement attiré par Claudia et Claudia lui cède sans que l'on perçoive le mûrissement de sa réflexion. D'une manière généralement l'amour y est traité sans fard (les autres couples sont d'une tristesse à pleurer) et pourtant ce film rend bien le mystère et la particularité de chaque histoire. Même s'il ne se fait pas d'illusion sur les relations de Claudia et Sandro, on reste fasciné par leur étrange attirance.

La modernité de l'Avventura provient également du traitement du mystère de la disparition d'Anna. Alors que dans la narration classique, une disparition est le point de départ d'une enquête allant crescendo, ici c'est tout l'inverse, et l'intérêt pour le personnage d'Anna se délie. Claudia devient le véritable protagoniste et le spectateur se focalise sur ses sentiments et son débat intérieur. Plus étrange encore, il semblerait que Claudia prenne véritablement la place d'Anna, portant les mêmes affaires (le chemisier qu'elle lui a donné) et l'on retrouve dans ses discussions avec Sandro comme un écho.
La disparition d'Anna donne lieu au déploiement d'une immoralité certaine: le peu de temps écoulé entre sa disparition et l'évolution du couple Claudia-Sandro est frappante. Bien entendu, Anna regrettée au départ est ensuite mentalement enterrée... et Claudia non seulement abandonne la recherche mais souhaite sa disparition définitive.

Une scène absolument extraordinaire est celle de la recherche d'Anna sur l'île. Le style d'Antonioni s'y épanouit dans toute son intelligence: chaque plan semble autonome, les personnages sortent et rentrent dans le champ de la caméra comme s'ils butaient contre les rochers... et l'inutilité de leur recherche.
J'ai aussi été frappée par le traitement du son: peu de musique et le moindre bruit y est amplifié, conférant une ambiance bien particulière au film. Quand à l'utilisation de la lumière, la composition, chaque plan est pur plaisir.

J'avais déjà repéré Monica Vitti dans l'Eclipse, mais L'Avventura m'a définitivement convaincue.



Il faut d'ailleurs que je revoie L'Eclipse, les conditions la dernière fois n'étaient pas idéales. Dans mes souvenirs, on y trouve Alain Delon, parlant italien.

Je trouve aussi que c'est un très grand film, très pessimiste aussi. Car finalement, l'absente est présente du début à la fin, et c'est ce qui fait la grandeur de l'analyse des sentiments. Au début, on regrette sa disparition, on souhaite son retour, et à mesure que le couple Claudia et Sandro se forme, on souhaite que l'absente ne revienne jamais. On passe d'un couple à un autre, tous deux faits de fractures et de blessures. Les pleurs de la fin sont comme la conclusion d'une fusion impossible.



Tu as raison quand tu parles de plans remarquables. Cette scène en témoigne. L'horizontalité brisée par la verticalité, métaphore d'une union impossible. En écho à cette scène où Claudia ne veut pas se faire voir comme la maîtresse de Sandro, et où tous les hommes la scrutent du regard, comme une projection de la hantise et d'une certaine paranoïa.

Je te rejoins aussi sur le modernisme de la narration. Finalement, la disparition sert à mettre en place la relation, et on ne peut pas savoir ce qu'est devenue Anna (même si on peut penser à un suicide). Son absence pèse sur les autres personnages comme une épée de Damoclès.

Prince d'Aquitaine a écrit:

En écho à cette scène où Claudia ne veut pas se faire voir comme la maîtresse de Sandro, et où tous les hommes la scrutent du regard, comme une projection de la hantise et d'une certaine paranoïa.

Ce film inclut des scènes explicitement 'subjectives', c'est-à-dire que la caméra ne cherche pas à rendre compte d'une manière réaliste de la scène qui se déroule, mais insiste sur la perception de l'évènement par le personnage.
En témoignage, le passage que tu cites, où Claudia attend Sandro en bas de l'hôtel. Scrutée par les centaines d'hommes qui l'entourent, elle se réfugie dans un magasin de peinture. Il nous semble étrangement évident qu'il s'agit d'une projection de la honte qu'elle éprouve.

reprise sur les écrans d'un film de 1955


Le Amiche - les amies - ( Femmes entre elles) vaporise un parfum homosexuel.

Les amies sont une dizaine d’habitantes de Turin, qui fricotent dans la bourgeoisie artiste ou oisive, et ses mondanités. Leur métier (ou leur vacuité) consiste à voir ou se faire voir : mannequin, artiste, coquette, presque pute. Mais le regard qui les construit ou les détruit (un suicide dans le rôle du retour du réel) est celui des hommes. Fiancé, mari, amant, qui ne voient en elles que l’occasion de s’assouvir sexuellement ou de les massacrer moralement.

Du coup, c’est l’aveuglement général et, au milieu de tous, comme un liant paradoxal, le néant (des sentiments, des relations humaines, de la lutte des classes avortée).

Antonioni, alors encore balbutiant, filme à l’aune de cette pavane pour une société pourrissante : sa caméra très mobile chorégraphie le ballet des apparences, qui culmine lors d’un défilé de mode particulièrement funèbre. Une pluie d’atomes chute dans le vide. Il fait froid. Antonioni relève le col de sa veste et disparaît, dans La Notte.

in Libé.